Ammore e malavita dei Manetti Bros. Con Carlo Buccirosso, Claudia Gerini, Giampaolo Morelli, Serena Rossi, Raiz. Presentato in concorso a Venezia 2017. Al cinema da giovedì 5 ottobre 2017.
La buona notizia è che gli orgogliosamente indipendenti fratelli Manetti son stati ammessi in concorso a Venezia. La cattiva è che il film non è gran cosa. Non male l’idea di mescolare il noir gomorroide (con stragi in quantità) al musical al grottesco al melodramma. Ma il frullato vien fuori indigesto. Quanto alle musiche, da Napoli ci si aspettava di meglio. Voto 4 e mezzo
Recensione scritta dopo la proiezione del film al festival di Venezia 2017.
Durante i festival non leggo mai, o rarissimamente, le recensioni altrui per tenere la testa libera dalle interferenze. Però mi dicono – mica si può stare sordi e muti tra un film e l’altro – che la stampa italiana abbia trattato molto bene questo film dei Manetti Bros. I quali, dopo anni di cinema semiclandestino, marginale e orgogliosamente indipendente, eccentrico nel suo praticare i generi anche bassi, son stati ammessi finalmente al Grande Concorso della Grande Mostra. Una consacrazione. E si è felici per loro, che han sempre fatto cinema coattamente simpatico (mica come quello coatto e orrido di Brutti e cattivi di Cosimo Gomez, visto ieri a Orizzonti, tra le cose peggiori di tutto Venezia 74), anche se nella loro carriera hanno più promesso che mantenuto. E promessa non mantenuta è purtroppo anche Ammore e malavita, che arriva dopo un altro film napoletano dei due fratelli romani, Song’e Napule, con meno pretese di questo e più riuscito. Qua addirittura si ambisce al frullato di generi difficili da accostare, noir (nel sottogenere Gomorra e Suburra ovviamente) più musical più melodramma, solo che volendo troppo non si arriva da nessuna parte. Già il plot è fragile, con un innesco narrativo da barzellettaccia. Un boss malavitoso, sempre sotto pressione e bersaglio di cosche rivali e forze dell’ordine, predispone insieme alla consorte un piano per sparire dalla circolazione. Identificato un perfetto sosia, lo fanno uccidere e organizzano un funerale col suo cadavere, mentre il boss uffcialmente morto se ne sta acquattato nel suo rifugio. Ma già questo è più farsa e pochade che noir, con il signor Macbeth e Lady Macbeth vesuviani mai credibili davvero come coppia diabolica, sempre un filo bonari e de core e mai feroci anche quando ordinano una strage via l’altra.
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120 battiti al minuto (titolo originale: 120 battements par minute, sintetizzato nell’acronimo BPM), un film di Robin Campillo. Con Nahuel Pérez Biscayart, Arnaud Valois, Antoine Reinartz, Adèle Haenel. 
Parigi, primi anni Novanta: le morti per Aids sono al loro massimo storico. Un gruppo di gay riuniti nel collettivo Act Up pratica forme estreme di protesta per attirare l’attenzione su un’epidemia dimenticata, e spingere le case farmaceutiche alla ricerca di nuove e più efficaci terapie. Poteva essere un film militante alla vecchissima maniera. Ma Robin Campillo, che quella stagione l’ha vissuta, riesce nel miracolo di raccontare senza eccessi ideologici, senza retorica, senza proclami militanti, stando addosso ai suoi personaggi e alle loro storie. 
Per me Robin Campillo resta il regista di un film che nel 2013 vinse la sezione Orizzonti a Venezia, 
Meraviglia. A cinquant’anni dalla sua prima uscita – e fu un successo sbalorditivo – è tornato in sala in versione restaurata il film di Richard Lester che consacrò il mito Beatles, allora reduci dal trionfale tour americano. Quello che aveva spinto la stampa a parlare di British Invasion. Fate conto un musicarello di genio e di lusso, con le canzoni dell’album dello stesso nome (però quella del titolo fu composta apposta per il film in poche ore da Paul McCartney e John Lennon). Un film anarchico, matto e dolcemente, soavemente ribelle: per i modi dei quattro favolosi, per i linguaggi del cinema adottati da Lester. Che manovra la macchina da presa con una libertà e un’allegrezza inaudite, pedinando e inseguendo i quattro pazzarielli per mezza Inghilterra. Avanguardismi e decostruzionismi che molto somigliano a quelli della coeva Nouvelle Vague dall’altra parte della Manica, però senza pensosità e pesantezze, e invece una mirabile freschezza che tutto e tutti contagia. Con echi colti del surrealismo e echi pop dello slapstick, della comicità catatonica di Buster Keaton come di quella devastante dei fratelli Marx. L’ho rivisto e ne sono rimasto incantato. Un bianco e nero smagliante, che ancora di più brilla grazie al restauro digitale. Il filo narrativo è esile e insieme robustissimo. I quattro devono percorrere l’Inghilterra per impegni vari, che culmineranno in una diretta per la televisione. Con loro il nonno mattocco e un bel po’ erotomane di Paul, più il manager e il tuttofare. Dappertutto folle, soprattutto ragazze, che vogliono toccare, baciare, travolgere i Fab Four, e loro costretti a scappare per sopravvivere a quella marea urlante. Tocchi con mano cosa sia stata la Beatlesmania. Poi c’è la musica, ovvio. Compresa And I Love Her. Sono ancora Beatles allo statu nascenti, le loro sembrano solo canzonette, ma la grandezza c’è già tutta. Incredibilmente quello che ha più spazio di tutti nel film non è John Lennon (diciamolo, quello che se la tira di più dei quattro), e nemmeno Paul il bello, ma Ringo Starr, cui tocca la parte dell’idiot assai divertente e adorabile nella sua lunare goffaggine. Per tutti e quattro piccole e molto umane imperfezioni fisiche (la dentatura, ad esempio) che oggi a una superstar non sarebbero concesse.
Dopo Las Vegas e l’ennesimo massacro americano la7 manda opportunamente in onda questo documentario-ricostruzione-meditazione di un non ancora famoso Michael Moore sulla carneficina – correva l’anno 1999 – in un’high school di Columbine. Il cinema di militanza di un Michael Moore ancora era sopportabile e non aveva messo su un ego ipertrofico e non se la tirava da salvatore dell’umanità, tribuno della plebe, raddrizzatorti e quant’altro. Quando insomma anziché dar pessime lezioni su capitalismo, 11 settembre, sistema sanitario e via esagerando, faceva molto bene il suo lavoro di documentarista. Columbine è quel posto a casa di Dio (dalle parti di Denver, Colorado) nel cui liceo si consumò nel 1999 una di quelle stragi scolastiche che ogni tanto colpiscono l’America, e ormai non più solo quella. Due ragazzi irrompono nelle aule, uccidono a colpi di fucile 12 studenti e un insegnante, poi si ammazzano. 
Vertice del cinema di Fernando Di Leo, il più sofisticato e colto dei nostri registi di poliziotteschi. Ma sarebbe meglio dire noir. Tarantino ha detto di lui cose meravigliose e ormai Di Leo è considerato il nostro Jean-Pierre Melville. Quello che lo rendeva diverso dagli altri registi di genere del periodo era la cura formale, il gusto dell’inquadratura, la sapienza dei movimenti di macchina. Questo suo classico è del 1972 ed è tratto da alcuni racconti giallo-milanesi di Giorgio Scerbanenco, cantore borghese di una mala che pochi come lui hanno descritto e capito. Ungo Piazza è trai correirri sospettatodi aver fatto sparire un ingente cariico di dolari clandestini. Gli altri vengono ammazzati, lui soprovvive soloperché finito nel frattempo in galera. Ma quando esce ricomincia la sarabanda intorno a lui, e l’obiettivo per tutti è di mettere le mani sul malloppo. Tra i molti motivi di vederlo c’è anche la presenza di Gsston Moschin, un gigante appartato del nostro cinema da poco scomparso, e qui in uno dei suoi rari ruoli di protagonista (per dire dell’intuito di Di Leo). Enorme cast puro anni Settanta.Oltre a Moschin, Mario Adorf, Frank Wolff, Luigi Pistilli, Ivo Garrani, Lionel Stander, Philippe Leory. E Barbara Bouchet nel ruolo della vita.AL CINEMA
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