Il metodo
Una classifica che avrebbe dovuto comprendere nelle mie intenzioni non più di una ventina di titoli: come vedete, sono arrivato a 100, scartandone molti che avrei voluto inserire (e dimenticando di sicuro qualche indispensabile-imprescindibile). Ma come si fa a ricapitolare dieci anni di cinema, e dopo aver visto migliaia di film, in una manciata di titoli? Sicché eccomi qua con la mia lista del meglio della decade 2010-2019, in ordine di gradimento crescente: dalla posizione numero 100 alla numero 1 del film più importante o, almeno, da me più amato. Il mio film degli anni Dieci. Cliccando il link troverete la recensione (no link, no recensione). Ho inserito solo un titolo per autore, indicandone eventualmente tra parentesi altri rilevanti dello stesso regista. Buona visione, e che vi divertiate come mi sono divertito io a scriverla.
100) La folie Almayer di Chantal Akerman
99) Eden di Mia Hansen-Løve
98) Holy Motors di Leos Carax
97) In Jackson Heights di Frederick Wiseman
96) L’ombre des femmes di Philippe Garrel
95) Spring Breakers di Harmony Korine
94) The Ballad of Buster Scruggs di Ethan e Joel Coen
93) The Second Game di Corneliu Porumboiu
92) Coma di Sarah Fattahi
91) Martin Eden di Pietro Marcello
90) Leviathan di Andrei Zvyagintsev
89) Parasite di Bong Joon-ho
88) Ana, Mon Amour di Peter Călin Netzer
87) Al di là delle montagne di Jia Zhangke
86) Mein Bruder Heißst Robert und ist ein Idiot (Mio fratello si chiama Robert ed è un idiota) di Philip Gröning
85) ‘Til madness do us part (Feng Ai) di Wang Bing
84) Attenberg di Athina Rachel Tsangari
83) Sieranevada di Cristi Puiu
82) Grand Budapest Hotel di Wes Anderson
81) Inception di Christopher Nolan
80) Lincoln di Steven Spielberg
79) Zero Dark Thirty di Kathryn Bigelow
78) Transit (La donna dello scrittore) di Christian Petzold (anche per Phoenix)
77) Joker di Todd Phillips
76) La storia della principessa splendente di Isao Takahata
75) Shame di Steve McQueen
74) Leviathan di Lucien Castaing-Taylor e Véréna Paravel
73) L’ultima volta che vidi Macao di João Rui Guerra da Mata e João Pedro Rodrigues
72) Quando hai 17 anni di André Téchiné
71) Good Time dei fratelli Safdie
70) Foxcatcher di Bennett Miller
69) Lo sconosciuto del lago di Alain Guiraudie
68) Les Garçons Sauvages di Bertrand Mandico
67) Mimosas di Oliver Laxe (anche per Viendra le feu)
66) Faust di Alexander Sokurov
65) La morte di Luigi XIV di Albert Serra
64) Toy Story 3 di Lee Unkrich
63) Only Lovers Left Alive (Solo gli amanti sopravvivono) di Jim Jarmusch
62) Nuestro tiempo di Carlos Reygadas (anche per Post Tenebras Lux)
61) Suspiria di Luca Guadagnino (anche per Chiamami col tuo nome)
60) Vitalina Varela di Pedro Costa
59) I Do Not Care If We Go Down in History as Barbarians (Non mi importa se passeremo alla storia come dei barbari) di Radu Jude
58) Zama di Lucrecia Martel
57) High Life di Claire Denis
56) Nocturama di Bertrand Bonello (anche per Zombi Child)
55) Dolor y Gloria di Pedro Almodovar
54) Silvered Water, Syria Self-Portrait di Ossama Mohammed e Wiam Simav Bedirxan
53) La Villa (La casa sul mare) di Robert Guédiguian
52) Get Out di Jordan Peele
51) The Assassin di Hou Hsiao-hsien
50) Due giorni, una notte di Luc e Jean-Pierre Dardenne
49) Norte, The End of History di Lav Diaz (anche per The Woman Who Left e From What is Before)
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Kommunisten di Jean-Marie Straub. 70 minuti. 
Mistero gaudioso della distribuzione italiana: arriva incredibilmente al cinema un film – presentato a Locarno 2014 – del maestro del rigore Jean-Marie Straub. Dove a un episodio nuovo se ne accostano altri cinque tratti da lavori precedenti, già storici, del regista. Ma qual è il senso di questa autocompilation (con inedito)? 
Certo che la distribuzione italiana è piena di misteri, qualche volta gaudiosi, come l’uscita – in un pugno di sale, ovvio, mica è Spectre – di questo Kommunisten, al momento ultimo lungometraggio conosciuto di Jean-Marie Straub, il guru ultraottantenne di ogni rigorismo, ascetismo, avanguardismo cinematografico al cui cospetto un Godard sembra per godibilità Cecil B. De Mille. Anziché aspettare che Fuori orario lo mandi in onda per qualche carbonaro della cinefilia estrema alle 3 del mattino*, come è d’uso per Straub e per quella che è stata a lungo la sua compagna di vita e di lavoro Danièle Huillet, stavolta si può andare al cinema, in qualche cinema (merito di un’etichetta distributiva ultraindipendente di nome Boudu: il riferimento è a un Jean Renoir), ed è occasione da prendere al volo, che ne valga o no la pena, che si ami o si detesti Straub, perché lui e il suo fare cinema sono imprescendibili e meritano rispetto. Si potrà non essere d’accordo (ed è il mio caso) con l’ideologismo spesso e veteronovecentesco che avviluppa tanti suoi film, ma quello sguardo nitido, puro, quella messinscena scarna di giansenistica austerità, quel fare del cinema, anche quando si tratta di finzione, sempre e inesorabilmente una visione del reale, quel rossellinismo naturale, spontaneo, sono attributi di un maestro vero. Châpeau. Kommunisten denuncia già nel suo titolo il suo essere cinema politico e nostalgico, anche se alla maniera peculiarissima e mai trombona e mai smaccatamente propangandistica (nessun sventolio di bandiere) del suo autore. 
Francofonia – Il Louvre sotto occupazione, un film di Alexandre Sokurov. Con Louis-Do De Lencquesaing, Benjamin Utzerath, Vincent Nemeth, Johanna Korthals Altes. 
Con il pretesto di un viaggio nel passato e nell’oggi del Louvre, il regista grande-russo compone un film ibrido che è insieme documentario, diario personale, ricostruzione ora immaginata ora rigorosa di episodi storici. Che, volendo omaggiare la Francia e l’Arte, finisce invece col tornare a parlare dell’identità russa. Uno zibaldone incoerente e perfino folle, ma pieno di sequenze sublimi, che sta al cinema di Sokurov come Adieu au langage a quello di Godard. 
Di chi sarà stata l’idea di affidare un film sul Louvre ad Alexander (che però nei crediti del film vien francesizzato in Alexandre) Sokurov? Dello stesso regista russo? Della tv bon chic bon genre Arté, che appare quale coproduttore? Perché, diciamolo, questo Francofonia ha tutta l’aria di essere un film su commissione, da parte di chi, avendo visto e giustamente ammirato Arca russa di Sokurov (girato in un solo, mirabolante take lungo quasi due ore all’interno dell’Ermitage di San Pietroburgo), ha pensato di fargli replicare l’operazione a Parigi nel museo di tutti i musei, uno dei segni massimi della Francia e della sua potenza culturale. Ma il risultato è un prodotto cinematografico assolutamente anomalo e inclassificabile, che è documentario e il suo contrario, un film che dal Louvre parte per toccare poi infiniti altri territori, che rientra sì nella cinematografia di Sokurov ma nello stesso tempo se ne discosta e ne fuoriesce. Mi aspettavo che si ripetesse la vertigine di Arca russa, con un progetto e un concept magari diversi ma altrettanto compatti, invece macché. Il grande russo, Leone d’oro a Venezia 2011 con Faust, molla gli ormeggi, si butta in un’operazione sconnessa, folle e insieme fascinosa e ipnotica che – nella sua destrutturazione di ogni coerenza narrativa – sta a lui come Adieu au langage sta a Jean-Luc Godard. In entrambi i casi, due maestri veri del cinema (anche se S. ha un bel po’ di anni meno di G.) si concedono il lusso della massima libertà, fabbricando un film anarchico apparentemente sconnesso da ogni ratio, sciolto da ogni vincolo, scatenato e irregolare nel seguire ogni pulsione e perfino capriccio del proprio autore, nel dar corpo e immagine ai suoi sogni e pure ai deliri. Inutile cercare in Francofonia una qualsiasi grammatica e sintassi, rintracciabili semmai solo penetrando nell’inconscio a noi inaccessibile del regista. 
Uno di quei film contenutistici in cui la forma è, se non inessenziale, certo secondaria e dunque destinati a non piacere alla critica oggi culturalmente egemone (che, si sa, tende a privilegiare il cinema quale gioco di pure forme, cinema come sguardo e visione, disprezzando il contenutismo quale bassa volgarità e pensiero povero). Ma La verità negata – anno 2016 – tratta di qualcosa di troppo importante e cruciale perché lo si liquidi come un film trascurabile. Qui si dibatte, letteralmente (perché il film oscilla tra il legal movie e il courtroom drama), della forma più nota e più abietta di negazionismo, quella che ha per oggetto la Shoah. Lo sceneggiatore David Hare – quanto sia bravo lo sappiamo da anni, vedi The Hours, e lo conferma il bello e sottovalutato Nureyev The White Crow ancora in qualche sala italiana – con tutta la sua professsionalità adatta per il cinema la cause celèbre David Irving contro Deborah Lipstadt. Lui, avvocato britannico, ha dedicato la sua vita a mettere in discussione se non la realtà certo le dimensioni dell’Olocausto. No, non furono sei milioni le vittime, no, non c’è mai stato un disegno genocida nella Germania nazista, no, ad Auschwitz, struttura logisticamente inadeguata, non possono aver ucciso centinaia di migliaia di ebrei d’Europa. E via negando e minimizzando. Una storica americana di radici ebraiche, Deborah Lipstad, ribatte e controbatte, accusa in un libro David Irving di menzogna e manipolazione ideologica. E Irving la denuncia per diffamazione. Sarà scontro in tribunale, a Londra. David Hare allo script e Mick Jackson alla regia ricostruiscono fedelmente i fatti, ponendoci di fronte alla questione non solo del negazionismo della Shoah, ma al dilagare, oggi, del negazionismo di verità acclarate come nuovo oppio dei popoli, forma collettiiva di allcinazione e autoinganno. Rachel Weisz è Deborah Lipstad ed è al solito meravigliosa. Ma il film è Timothy Spall, inquietante, maligno, diabolicamente soggiogante quale David Irving. Costringendoci ancora un volta a interrogarci, più che sulla banalità del male, sulla sua capacità di affascinare e ottundere anche le menti più razionali.
Il labirinto del silenzio (Im Labyrinth des Schweigens), un film di Giulio Ricciarelli. Con Alexander Fehlig, Johannes Krisch, Frederike Becht, Gert Voss.
Francoforte, 1958. Un giovane procuratore vuole scovare e mandare sotto processo gli aguzzini di Auschwitz. Ma nel corso della sua indagine si sbatterà contro un muro di omertà, silenzi, collusioni, complicità. Ritratto di una Germania in piena sbornia di boom economico che vuole dimenticare. Ma il marcio verrà fuori. Film onesto e di nobilissime intenzioni, con i limiti della dimostratività e dell’intento didascalico. 
Di quei film buoni, onesti e bene intenzionati, e portatori sani di messaggi positivi, di cui è difficile parlar male e che reclamano la tua adesione senza lasciarti troppe alternative. Ricattatori? Che brutta parola, diciamo film che offrono pochi appigli e non lasciano intravedere crepe e fenditure a chi voglia esercitare senza troppi riguardi, magari anche selvaggiamente perché no?, il diritto di critica. Una liscia, inscalfibile e inscalabile parete a specchio, ecco. Così almeno mi si presenta in testa, adesso che ne sto scrivendo (e sto cercando di scalare la parete), questo Il labirinto del silenzio che, scelto dalla Germania come proprio candidato all’Oscar per il miglior film in lingua straniera, è stato inserito nella shortlist (obiettivo mancato invece dal nostro Non essere cattivo), ma poi escluso dalla cinquina finale. Comunque, ottimo successo per il cinema tedesco, anche per via del sempre sensibile e importante tema trattato, quello di un paese che – siamo nei tardi anni Cinquanta della ricostruzione ormai conclusa e dello sviluppo economico arrembante – fatica molto a guardarsi indietro, a fare i conti con il passato nazista, con la Shoah, con le atrocità dei campi di sterminio. Da Il labirinto del silenzio emerge una Germania che vuole dimenticare e ha già dimenticato e spazzato via, ed è pochissimo disposta a riaprire la stanza dove ha messo sottochiave i suoi fantasmi. Francoforte, 1958. Un ebreo sopravvissuto ad Auschwitz riconosce in un apparentemente probo e qualunque insegnante di scuola elementare uno dei suoi aguzzini. Ne viene informato il giovane e idealista procuratore Johann Radmann, che subito si sbatte perché quell’uomo possa essere processato e paghi, e invece non sarà così facile, anzi. Procedendo faticosamente nell’indagine, Radmann si rende conto di aver messo le mani in un verminaio. Quanti sono i tedeschi che ad Auschwitz e altrove hanno attivamente collaborato alla macchina dello sterminio? E davvero basta quel loro mantra tanto ossessivamente ripetuto – “obbedivo solo agli ordini!”- per discolparli? Sono buoni tedeschi, tornati dopo l’orrore a fare il loro lavoro, a vivere nelle loro famiglie, gente amabile, son maestri e pasticcieri e contadini, e dietro la loro maschera bonaria fatichi a vedere i carnefici che sono stati. La ricerca di colpevoli e prove del bravo ragazzo Radmann segna il passo. In procura nessuno collabora, anzi colleghi e superiori cercano di insabbiare e boicottare. I documenti necessari a identificare gli aguzzini non si trovano o sono secretati e incosultabili, i possibili testimoni irrintracciabili o sfuggenti o impauriti. Un muro di gomma. Un pantano. Un labirinto, come da titolo. Con l’impressione, anzi la certezza, che molti caporioni nazisti si siano riciclati e continuino a occupare posti di comando e potere nella nuova Germania post-bellica che si dice, ed effettivamente è, democratica. 
