Contravvengo al buon proposito di non redigere – come tanti, troppi hanno già fatto – la lista dei miei film preferiti del 2018. Ma è il 31 dicembre, l’anno se ne sta andando e una folla di titoli vortica nella mia testa spingendo per uscire fuori prima che sia troppo tardi: un’ossessione, anche se per niente magnifica. Sicché, cospargendomi il capo di cenere e chiedendo venia, eccomi qua pure io con la mia classifica del meglio dell’anno che se ne va. Avvertenza: ho scelto tra i film visti ai festival e in sala. No Netflix e altre piattaforme.
20) Suspiria di Luca Guadagnino
19) En Guerre di Stéphane Brizé
18) Mandy di Panos Cosmatos
17) Un couteau dans le coeur di Yann Gonzalez
16) Dovlatov di Alexey German Jr.
15) Sophia Antipolis di Virgil Vernier
14) The Favourite di Yorgos Lanthimos
13) Nuestro Tiempo (Our Time) di Carlos Reygadas
12) High Life di Claire Denis
11) Long Day’s into Night (Di Qiu Zui Hou De Ye Wan) di Bi Gan
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Il più bel film dei Dardenne da parecchi anni in qua, meglio dei pur bellissimi Il ragazzo con la bicicletta e Il matrimonio di Lorna. Due giorni, una notte è di quelle cose che resteranno, per la capacità di centrare con precisione chirurgica e assoluta lucidità il problema di tutti i problemi di questo presente, di questa Europa, ovverossia il lavoro, la fatica di trovarlo quando non lo si ha, la paura di perderlo quando lo si ha, la crisi economica, la sua squassante ricaduta sulla vita, i corpi, le menti della gente. Film troppo didascalico? troppo a tesi? Ma vogliamo scherzare? I Dardenne non son mica dei rozzi agit prop, non son mica figli del cinema politico a una dimensione e dal pensiero unico. Le loro idee ce le hanno e ce le comunicano chiare e forti, ma sono bravi, molto bravi, nel genere sono i migliori di tutti. Per la semplice (anzi complessa) ragione che i Dardenne Brothers sono dei meravigliosi storyteller, dei narratori sublimi che sanno come arpionare lo spettatore, non mollarlo più, coinvolgerlo e interessarlo al loro, ebbene sì, messaggio. Cosa che li distingue dalla massa sterminata di cineasti giovani e meno giovani che li copiano e al loro magistero chiaramente si rifanno (a ogni festival si vedono almeno cinque o sei film à la Dardenne). 
In La pelle che abito Pedro Almodóvar rifà per l’ennesimo volta se stesso, e lo stesso film. Come in molta sua produzione, soprattutto degli anni Duemila (vedi La mala educacion e Gli abbracci spezzati), moltiplica trame e sottotrame, va avanti e indietro nel tempo con flashback e flashforward, confonde le acque e le carte, depista seminando falsi indizi. E come sempre, la narrazione è così spezzata e discontinua, così affollata di digressioni e elementi-personaggi paralleli che render conto anche solo parzialmente dell’intreccio è impresa ardua. Proviamoci. Siamo in un futuro molto, molto prossimo, nell’anno 2012 (questa recensione è stata scritta al’uscita del film, l’ottobre 2011, ndr), e siamo a Toledo, in una Spagna però abbastanza fantastica e anche qua e là incongrua che talvolta sembra il Brasile, con tutto quel parlare di favelas e di Bahia, e quella parata di chirurghi plastici-star.
Fu la missione lunare più travagliata. Era il 1970. L’esplosione di un serbatoio di ossigeno impedì ai tre astronati a bordo dell’Apollo 13 di raggiungere come previsto la luna. Il film, del 1995, diretto da quel grande fabbricatore di cinema popolare che è Ron Howard, ricostruisce l’incidente e il successivo tentativo – riuscito – di riportare a terra l’equipaggio. Una storia già di suo di formidabile appeal e che questo film rende travolgente. Con Tom Hanks, Kevin Bacon, Gary Sinise e Ed Harris. Da vedere e magari confrontare con il più recente dei film aerospaziali, il First Man di Damien Chazelle.
Il film di Luchino Visconti che preferisco insieme a Rocco e i suoi fratelli. Più che mai da ri-vedere, Senso, una delle non molte pellicole che mettono in scena il Risorgimento, dunque attualissima per via delle infinite controversie, storiografiche, politiche, ideologiche che continuano a accendersi intorno a quel periodo (una vera guerra culturale, un Kulturkrieg come non se ne vedevano da molto nel nostro paese). Il Risorgimento amaro di Visconti è anche da confrontare con quello revisionato di Noi credevamo di Mario Martone, inatteso successo al box office di qualche anno fa.
Il Clan, un film di Pablo Trapero. Con Guillermo Francella, Peter Lanzani, Lili Popovich, Gaston Cocchiarale, Giselle Motta. Al cinema da giovedì 25 agosto.
Primi anni Ottanta, Argentina. Mentre il regime dei generali si avvia al crollo, un addetto dei servizi segreti mette su un’azienda familiare di rapimenti a scopo di lucro. Tutti sanno, la moglie, i figli, che anzi collaborano fattivamente all’impresa. Il male come ordinario quotidiano. L’omicidio e la tortura come un qualsiasi lavoro. Pablo Trapero è asai bravo nel farci vedere la mostruosità del normale. Presentato in concorso a Venezia 2015, dove ha poi vinto il Leone d’argento per la regia. 
Made in Argentina, con però alle spalle la produzione di Pedro Almodovar e del fratello Agustin tramite la loro Deseo, Il Clan di Pablo Trapero sfiora il grandissimo risultato, il capo d’opera, se non fosse per qualche vistosa caduta (un imperdonabile, quasi pornografico montaggio alternato di una scopata con la scena di tortura di un ostaggio) e per un sovraccarico ideologico-politico che connette il racconto di una famiglia criminale e dei suoi misfatti alla dittatura dei generali tra anni Settanta e Ottanta, spiegando troppo sbrigativamente i primi con la seconda. Ma questo è cinema di rara potenza, che finalmente si misura con un caso (di vera e nerissima cronaca) sconvolgente, con i demoni che stan sotto la civilizzazione e la borghese vita dei suburbia, che non si perde nei narcisismi e negli ombelicalismi di tante cose e cosucce viste anche a questo Venezia Film Festival. E alla fine del press screening, lungo e sacrosanto applauso.
